La obra - experimento "Palabra de Dios" de Luis Melón desata la polemica...

EL ARTISTA IMAGINARIO. Luis Melón Arroyo.

El polifacético artista leonés Luis Melón (1974) presenta El Artista Imaginario, su última exposición y en la que exhibe distintas piezas englobadas en dos series: De la Guerra y Del Cielo y el Infierno, que reflejan varios años de reflexión e investigación y sobre las que se asienta un discurso maduro, sincero y directo.

De la Guerra habla del conflicto armado, algo innato en la naturaleza del hombre y sobre el que se elabora la historia. Esta serie, enlaza con Del Cielo y el Infierno a través de un sutil hilo conector: la lucha por el poder, aunque en esta ocasión el arma es la espiritualidad.

Adscrita a esta última serie, llama la atención la obra-experimento Palabra de Dios, en la que Luis Melón, valiéndose del Código Secreto de la Biblia, busca una comunicación con el Creador acerca de algunos de sus iconos personales.

El Código Secreto de la Biblia se debe al matemático israelí Eliyahu Rips, uno de los más grandes expertos en la teoría de grupos, el campo de las matemáticas en el que se basa la física cuántica. Junto con el doctor Alexander Rotenberg, Rips creó un programa informático comprobado y validado por la Agencia de Seguridad Nacional de Estados Unidos, del que se han valido diferentes investigadores, entre ellos Michael Drosnin, quien a través de este Código predijo acontecimientos como el asesinato de Itzhak Rabin o los atentados del 11 de septiembre de 2001.

Dicho Código pretende hallar respuestas en la Torá, como medio de comunicación con Dios. Así, no es otra cosa que un descodificador de mensajes. Como rezan la Sagradas Escrituras, todo lo que fue, es y será está en la Torá.

Dejando la libertad de creer o no al propio espectador, lo cierto es que las sentencias descubiertas llaman poderosamente la atención por la acertada relación que guardan con cada personaje. Así, a la hora de preguntar al Código sobre Joseph Beuys, la respuesta encontrada no es otra que “es una liebre de loza en el cielo”, remitiéndonos sorprendentemente al icono obsesivo que fue el conejo en la obra del alemán.

“Es pura la visión de Álix” fue la respuesta del Código al introducir el nombre del fotógrafo Alberto García Álix, una visión tan pura como demuestran tantas de sus instantáneas.

¿Y qué decir de Andy Warhol? Si realmente el Código descifra las auténticas palabras del Creador, para éste, Warhol fue ni más ni menos que “sus ojos en Nueva York”…

Pero quizás“Él fue Dios y yo fui su Cristo” sea la sentencia más directa y polémica en cuanto a su contenido religioso que Luis Melón ha hallado en el Código, y el personaje al que corresponde no es otro que Salvador Dalí, quien recordemos, entre sus obras más conocidas alberga una surrealista crucifixión.

Lo dicho, podemos creer, podemos dudar, pero como experimento, las afirmaciones encontradas no dejan a nadie impasible por lo acertadas, por lo enigmático de su contenido y rotundamente, por la poesía que encierran.

La exposición El Artista Imaginario,se muestra desde el pasado 7 de Noviembre hasta el 20 de Enero de 2009 en el Centro Leonés de Arte.

CaixaForum: La escuela Yi. Treinta años de arte abstracto chino,

EXPOSICIÓN: La escuela Yi. Treinta años de arte abstracto chino
(Del 4 de junio al 17 de agosto)
CONFERENCIA INAUGURAL (Martes 3 de junio | 18.00 h) por Gao Minglu, comisario de la exposición
i-dissabtes CXF:
Sábado | 7 de junio. 21.00 h: Moda + Peformance/ Txell Miras y Sònia Gomez
Sábado | 14 de junio. 21.00 h: John Foxx/ Tiny Colour Movies

www.lacaixa.es/ObraSocial

EXPOSICIÓN
La escuela Yi. Treinta años de arte abstracto chino
Del 4 de junio al 17 de agosto

Por primera vez, una visión exhaustiva de conjunto del arte abstracto chino contemporáneo, que hasta ahora ha permanecido en la penumbra, podrá verse fuera de China. La muestra traerá unas ochenta obras en distintos soportes –pintura, escultura e instalación– creadas por más de 40 artistas de diferentes épocas durante las tres últimas décadas.

El objetivo de la muestra es dejar constancia de cómo han respondido los artistas chinos al cambio social y cultural, dando paso a una especie de “arte abstracto” o “modernidad” de raíz alternativa y china, que combina la filosofía y la estética tradicionales de este país, el budismo zen, la modernidad occidental y el arte conceptual contemporáneo.

Por todo ello, la muestra se enfoca partiendo de los temas siguientes: la definición y la interpretación del “arte abstracto” chino no puede basarse en las dicotomías entre objetividad y subjetividad, entre obra de arte y artista, entre forma y significado, sino que el “arte abstracto” chino es la expresión de un estado concreto de apertura y una metáfora de la realidad vivida. A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, las autoridades consideraban la forma abstracta en sí misma como una producción burguesa. Por otro lado, el arte abstracto chino tuvo un papel político durante aquella época. En la segunda mitad de la década de 1980, gracias a la influencia de la modernidad y la posmodernidad occidental, muchos artistas de vanguardia del Movimiento 85 se comprometieron a crear una especie de arte metafísico oriental, combinando los símbolos culturales tradicionales y el surrealismo occidental.

Desde 1990, este arte abstracto chino ha reflejado profundamente la realidad de la globalización y la urbanización, no se ha limitado a producir composiciones abstractas simplemente metafísicas, sino que ha significado una actividad de meditación inspirada en el zen, un flujo diario continuo de “arte de acción” que ha implicado a la realidad urbana. El aspecto “moderno” de estas obras es sólo una máscara, y el fenómeno “abstracto” en el arte contemporáneo chino es un desplazamiento de la modernidad, en un contexto que rezuma contemporaneidad y en el que la naturaleza estética y la forma social son indivisibles e intercambiables.

Los artistas: Zhao Wenliang, Zhu Jinshi, Wang Luyan, Gu Wenda, Yu Youhan, Ren Jian, Zhang Jianjun, Yang Zhilin, Huang Yali, Shang Yang, Li Huasheng, Zhang Yu, Wang Tiande, Liang Quan, Zhou Yangming, Ding Yi, Meng Luding, Zhu Xiaohe, Lei Hong,
Tan Ping ... entre otros.

CONFERENCIA INAUGURAL
Martes 3 de junio | 18.00 h
a cargo de Gao Minglu, comisario de la exposición
Actividad gratuita. Plazas limitadas

i-dissabtes CXF

Sábado | 7 de junio. 21.00 h
Moda + Peformance
Txell Miras y Sònia Gomez

Binomis presenta en esta ocasión un espectáculo en el que la moda adquiere una dimensión escénica singular. Utilizando la capacidad interpretativa de la performer Sònia Gomez y sus colaboradores, la diseñadora Txell Miras exhibe sus modelos más arriesgados a partir de un espectáculo en el que se contraponen los mundos interiores de estas dos creadoras catalanas.

Sábado | 14 de junio. 21.00 h
John Foxx
Tiny Colour Movies
Formato: Super 8 digitalizado.
Año: 2006
Duración: 48’.

Aunque se le recuerda como el fundador de Ultravoxx durante la década de 1970, John Foxx –nombre artístico de Dennis Leigh– también trabaja en otros campos y disciplinas.Foxx es un artista esencialmente moderno.

Trocear, reensamblar, reinterpretar, reciclar: el lenguaje audiovisual rompe las ataduras del largometraje autocontenido y se adentra en los territorios del hipertexto. Cuando el artista británico tuvo la oportunidad de contemplar la colección privada de películas en Super 8 de Arnold Weizcs-Bryant –desde pruebas de color de viejas películas de Hollywood hasta tomas de una autovía de Los Ángeles– comprendió de inmediato su potencial estético y emocional. Así nacía Tiny Colour Movies.

Precios
4,00 €
Socios Mediateca entrada gratuita
LKXA, Club Estrella,
Carnet Jove y Carnet +25: 2,00 €

Venta de entradas (En ServiCaixa, hasta 1 hora antes de la actividad; y en Internet y por teléfono hasta 3 horas antes)
Taquillas de CaixaForum
Adquisición de entradas con tarjetas “la Caixa” 50% de descuento

CaixaForum
Av.Marquès de Comillas, 6-8
08038 Barcelona
Actividades de la Obra Social “la Caixa
Entrada gratuita
Información
93 495 39 45
caixaforum@fundaciolacaixa.es
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Pamplona, CAM y Matadero ponen mas de 300.000 Euros en ayudas a la creación

Premio: XI Bienal de Artes Plásticas Ciudad de Pamplona - Más info

Convoca: Ayuntamiento de Pamplona

Fecha entrega de obras: hasta el 29 de agosto de 2008

Dotación: 42.000 Euros en compra de obra para la Colección de Arte Contemporáneo municipal.

Premio: Becas Colección CAM Artes Plásticas - 6ª Convocatoria 2008 - Más info

Convoca: Caja de Ahorros del Mediterráneo (CAM)

Fecha entrega de obras: entre el 17 de noviembre y 5 de diciembre de 2008

Dotación: hasta seis becas en cualquiera de las disciplinas de pintura, escultura, dibujo, fotografía, vídeo y técnicas digitales, dotadas con entre 14.000 y 24.000 Euros/año.

Premio: Ayudas a la movilidad internacional de creadores. Matadero Madrid - Más info

Convoca: Área de Gobierno de las Artes - Ayuntamiento de Madrid

Fecha entrega de solicitudes: antes del 20 de junio de 2008

Dotación: hasta 150.000 Euros en becas de 18.000 Euros cada una.

Premio: 10 Convocatoria de Tentaciones 2008 - Más info

Convoca: Feria Estampa

Fecha entrega de obras: antes del 1 de julio de 2008

Dotación: se realizará una selección entre 8 y 10 proyectos artísticos que se presentarán en la feria.

Galería María Prego: Rafael Cidoncha

Exposición Rafael Cidoncha
Inauguración jueves 24 de abril de 2008 - A partir de las 19 horas
24 de abril – 12 de junio
Galería de Arte Contemporáneo María Prego
Luís Taboada 21 2ºIz
36201 Vigo
http://www.galeriamariaprego.es/

Bernard-Henri Lévy afirma que la pintura de Rafael Cidoncha es el triunfo del arte sobre la naturaleza, de la ilusión sobre el encanto. Y es que sus obras parecen transportarnos a unos escenarios más reales que los naturales. Sus temas son cotidianos y muchos autores han querido ver en ellos naturalezas muertas. Es cierto, Cidoncha nos presenta, flores, árboles, techos de la ciudad, columnatas, cactus… pero con un carácter personificado, casi retratístico. Los rostros de los retratados están presentes, son verdaderos senderos de luz de la exposición. De nuevo en palabras de Lévy su obra es el principio de la luz humana y de la verdadera belleza que habla de las almas y con las almas.

Para enfrentarse a la pintura de Cidoncha es necesario agudizar el oído dado que se trata de lienzos que nos hablan, nos susurran, nos describen, nos transportan a una realidad en la que, a modo de trampantojo, identificamos los años que han pasado, el tiempo perdido y el recuperado, lo irreversible y lo inconsecuente.

A pesar de lo que podría parecer la obra de Rafael no rivaliza con la realidad si no que juega con ella y ésta se hace más presente y más viva si cabe en sus pinturas. Se trata de una realidad transfigurada, ennoblecida por el paso del caballete.

Rafael Cifoncha nace Vigo en 1952. La exposición que le dedica la galería María Prego será la primera oportunidad para ver una muestra del artista en la ciudad que le vio nacer y en la Comunidad en la que desarrolló su infancia.

El artista trabaja principalmente con la Galería Marlborough cuyas diferentes sedes le han dedicado sendas exposiciones individuales. Ha expuesto además en centros y galerías como el Museo de Arte Extranjero de Riga (Letonia), el Centro Cultural de Arte Contemporáneo de México, la Galería Guillermo de Osma (Madrid), la Galería Félix Gómez (Sevilla), la Galería Ignacio Várez (Madrid), la Galería Estampa (Madrid), la Galería Artheme (Bourdeaux), la Galería Oliva Mara (Madrid), la Galería Rafael Ortiz (Sevilla) la Galería Alfred Wild (Bogotá y Medellín), o en el Spanish Institute de Nueva York.

Ha participado en exposiciones colectivas organizadas por centros como la Galería Ansorena, la Galería Juan de Amiano (Pamplona), Alejandro Sales (Barcelona), Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Nerva, Galería Marieschi (Milán), en el Museo Guggenheim (Bilbao), Galería Sandunga (Granada), Centro Cultural Conde Duque (Madrid) o el Centro cultural de la Villa (Madrid). Ha participado en múltiples ediciones de ARCO (Galería Marlborough Nueva York) y de la Feria de Arte Contemporáneo de Miami (Galería Ansorena y Martínez).

Colecciones de de España, Francia, Estados Unidos y Sudamérica tienen obra del artista. Destacamos las colecciones de los Duques de Alba (Madrid), Colección Baron de Guy de Rotschild (Paris), Colección Baron de Rede (Paris), Colección David de Rosthchild, (Paris), Colección Príncipe Loewenstein (Inglaterra), Colección Patinño (Paris), Colección Yves Saint Laurent (Paris), Colección Forbes (EEUU), Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Colección Museo de Baltimore (EEUU), Colección Fundación Pedro Barrié de La Maza (A Coruña), Colección Ministerio de La Presidencia (Madrid), Colección Ministerio de Medio Ambiente (Madrid), Colección Ayuntamiento de Sevilla, Colección Valentino Garavani (Francia), Colección College de France (Paris), Colección Juan Abelló (Madrid), Colección Biblioteca Nacional (Madrid), Colección Palacio de La Zarzuela (Madrid).

Varios autores han publicado textos sobre Cidoncha de los que cabe destacar a Juan Maneul Bonet, Calvo Serrraller, Humberto Pasti, Román Padín, José Marín Medina, Carlota de Alfonso, Soledad Puértoas, Fuencisla Muñoz, Marc Fumarola, Virginai Villalobos o Rosario Pérez entre otros críticos de prestigio.

La memoria de la ciudad Marcelo Fuentes. Galería Antonio Machón.

La obra de Marcelo Fuentes dejará indiferentes a quienes busquen espectacularidad, colorines y fuegos de artificio, pero entusiasmará a quienes hayan entrado en el mundo de la pintura y sus discernimientos afectivos, a quienes sepan dialogar con ella en su lenguaje. Igual que el poeta elige a sus lectores, el pintor elige a sus espectadores entre aquellos capaces de establecer complicidades sensoriales, intelectivas y emotivas con sus creaciones.

Desarrollando las enseñanzas de Hopper y Morandi, la pintura de Marcelo se ha ido despojando de los afanes descriptivos a favor de una mayor esencialidad en la potencia abstracta de la propia pintura. NO obstante, persiste en la necesidad de seguir observando el mundo que habitamos, los escenarios exteriores por donde la vida interior se proyecta y discurre. Los seres humanos nunca aparece y, de ese modo, como espectadores podemos transitar en solitario los espacios pintados, enigmáticos lugares que se resisten a hacer distinciones entre naturaleza y artificio, porque bajo la acción de los pinceles, montañas y edificios pueden compartir una misma sustancia promover semejantes experiencias estéticas.

Desde sus pequeños formatos, los dibujos de Marcelo nos hablan en voz baja, casi en silencio, sin estridencias, sin alardes ni pretensiones de decir grandes palabras o verdades trascendentes, pero diciendo a la postre, a través de la insistencia mesurada, por medio un inacabable tejido de sutiles repeticiones y variaciones, diciendo o más bien sugiriendo eso que puede decir la pintura y loa poesía, más o menos que la realidad es fecunda, infinita, inconmensurable, fuerte inagotable de enseñanzas y de vida, y en cualquier rincón imprevisto se encierra el universo entero si sabemos dedicarle una mirada atenta.

Explicaba Joan Margarit en el Epílogo a su libro Cálculo de estructuras, que la poesía se distingue de la prosa por la concisión y la exactitud. Las pinturas de Marcelo poseen ambas virtudes: ni falta ni sobra nada en ellas, son estructuras compactas, coherentes, ejemplos de justeza y precisión en la composición, en los tonos, en las formas, en la densidad de la materia y en la dirección de las pinceladas. En ellas pervive además un tiempo silenciosos que se queda indiferente a los afanes productivos y ala prisa, el tiempo que se acumula y condensa en el hacerse cada cuadro (una temporalidad que no se deshace en la sucesión de instantes), el tiempo que necesitamos para aprender a ver, para mirar, una y otra vez, sucesivas veces, hasta llegar a ver algo.

Jose Saborit

En las nubes - Fernando Castro Flórez

Escribía María Zambrano que el dibujo pertenece a la especie más rara de las cosas: «A aquella que apenas si tiene presencia: que, si son sonido, lindan con el silencio; si son palabras, con el mutismo; presencia que de tan pura, linda con la ausencia; género de ser al borde del no-ser». Tenemos que entender el dibujo como una estructura compleja de problemas diferenciados, una forma con la que vencer los acontecimientos o la posibilidad para volver a tener presente la imagen que tenemos de ellos; advirtamos la equivalencia que se puede establecer entre dibujar y pensar, siendo ambos casos procesos que dan cuerpo a una realidad conflictiva.

Juan José Gómez Molina advertía en el libro Las lecciones del dibujo que la acción de dibujar nos representa a nosotros mismos en la acción de representar, clarifica los itinerarios de nuestra conciencia, haciéndose evidente ante nosotros mismos: Dibujar es fundamentalmente definir ese territorio desde el que establecemos las referencias. Representar es, por tanto, un acto controlado y difícil de evocaciones y silencios establecidos por medio de signos que somos capaces de descifrar por su preexistencia en la memoria histórica.

Obsesiones humorísticas. Oriol Vilapuig ha desarrollado un concepto de «pintura dibujística» en el que da rienda suelta a sus obsesiones con un inequívoco sentido del humor. Desde que vi en alguna edición de ARCO -en el stand de Fúcares- sus obras, me convertí en un admirador de su peculiar universo en el que lo esquemático o incluso las alusiones al dibujo infantil son el soporte de una tensión cultural y poética extraordinaria. Ahora expone maravillosas obras sobre papel, utilizando principalmente tinta y gouache, en la galería La Caja Negra. La serie «De la naturaleza de las cosas», que remite al memorable poema de Lucrecio, plantea una sutil reflexión sobre la experiencia del estar en el mundo, de la fragilidad del hombre y de la turbulencia de sus deseos.

En otras series, tituladas «Desplazamientos» y «Trabajos y días», Vilapuig sedimenta lo íntimo, en un tiempo que está marcado por las migraciones, la incertidumbre y la muerte. Sus dibujos, realizados sin prepotencia, mostrando una dimensión lúdica excelsa, presentan, por ejemplo, un corazón que es tan sólo una línea o el Pteropus, un esqueleto que vuela en la oscuridad. Mantiene su pasión por la literatura, y, así, aparece Malone muere, la desértica novela de Beckett, o referencias a los ensayos de Montaigne y los aforismos de Kafka.

Todos hemos tenido que dibujar y seguramente recordamos los esfuerzos infantiles para encajar una figura o para sombrear un cuerpo. En todo dibujo se llega a un punto de crisis, cuando lo visto no corresponde a nada fijado en el papel y, sin embargo, lo que estamos haciendo se torna sumamente interesante. Comprobamos que la mirada y la mano establecen una coordinación extraordinaria; la representación fluye como si no tuviera nada que ver con el orden de lo categórico, e incluso da la sensación de que remite más a todo lo que desconocemos que a aquello que teníamos aparentemente atrapado. «El dibujo -apunta Yves Boneffoy- es en la pintura la mandorla de lo invisible, no la quintaesencia, por suprema que sea de formas inteligibles». Digamos «esa pintura no tiene dibujo», como ya decimos «esas formas carecen de vida». Dibujamos lo que falta acaso porque lo que tenemos no nos satisface plenamente. Sentimos la necesidad de un discurso jubilatorio, de algo que nos entusiasme y aparte del pantano de la mediocridad. Vilapuig dota al dibujo de una soltura completa. Así convierte el territorio asiático en unas manchas de tinta de colores muy diluidas o nos recuerda que las nubes fueron el territorio evanescente en el que comenzamos a imaginar lo que no teníamos al alcance de la mano.

Hace bien Oriol Vilapuig al remitir al libro de Gombrich Art and Ilusion, particularmente, al análisis de la sombra producida por figuras geométricas. Podemos retornar de nuevo al origen mítico del dibujo, a ese gesto que intenta atrapar la sombra, ese testimonio de la ausencia que ya he nombrado y que es también deseo del retorno, confianza en que la pasión no puede perderse nunca. La mano tiene su propia sabiduría, como esa mirada que descubre la musculatura del mundo y, al concretarse en el espacio bidimensional, nos revela la extraordinaria experiencia de lo imaginario como un estar corporalmente en lo real.

Por oculto e imperceptible. Si, por un lado, Vilapuig da cuenta en sus obras de lo cotidiano, también atiende a lo oculto e imperceptible. En un papel arrugado leemos: «Es en nosotros donde el mundo es enemigo del mundo». Tal vez lo que suceda es que sigamos atrapados, como pensara Nietzsche, en la tela de araña de la gramática y nos cueste encontrar otras formas para dar cuenta de lo que (nos) pasa. Vilapuig, lector del Pesanervios, de Artaud, sabe de sobra que, aunque pretendemos tener las cosas muy claras, en realidad nuestra comprensión del mundo es puramente metafórica.

Este artista que redibuja la firma de Durero convierte la naturaleza en un marasmo de trazos negros que pueden sugerir un árbol en la noche o todo aquello que no somos aún capaces de definir. Su Vanitas no está atravesada de amarga melancolía, acaso porque aprendió en los Aforismos de Zürau que existen tantas posibilidades de salvación como escondites. «Existe una meta -apunta Kafka-, pero no un camino; lo que llamamos un camino son vacilaciones». Aunque sobre el hombre, reducido a unas líneas esquemáticas, tumbado sobre la cama, se cierne un negro nubarrón. El deseo demencial del arte es el de seguir dibujando lo que pasa, esas raras formas del aire que nadie puede, aunque lo intente, gobernar.

Originalmente en abcd

Critica: Zhu Ming, diario de un performer

Light boxes and photographs Galería Estiarte. Almagro, 44. Madrid. Hasta el 11 de junio. De 7.500 a 15.800 E.

Nadie se resiste ya en el mundo del arte a la fuerza de Oriente, fundamentalmente de China. Las galerías contratan o intercambian muestras de artistas, museos e instituciones les dedican exposiciones monográficas o colectivas, los coleccionistas se inclinan por sus producciones... De tal modo que ya se nos han hecho familiares algunos nombres: Cang Xin, Shao Yinong & Mu Chen, Zhang Huan, Liang Yuanwei, Li Wei y otros. Ahora se añade a los anteriores el de Zhu Ming (Changsha, Hunan, 1972), al que Estiarte dedica una exposición que recoge ejemplos de su trabajo de los años 2000 a 2006.

Ming pertenece a la generación de los años noventa –la del East Village de Beijing, barrio en el que trabajaron también Zhang Huan, Cang Xin y Ma Liuming–, la que afronta los cambios económicos y sociales más profundos en la sociedad china, la que descubre la importancia y la consideración de la identidad individual ante el aparato del Estado, la que viaja, por su creciente presencia, fuera de las fronteras de la nación y traba contacto con artistas occidentales. Todos los citados comparten una misma actitud, que luego ha sido levemente modificada por el tiempo y los acontecimientos: son performers, artistas de la acción, para los que la fotografía y el vídeo funcionaban, en un primer momento, como registro de lo sucedido y sólo posteriormente se han convertido en elemento creativo autónomo.

Las performances que Ming ha realizado desde 2002 hasta ahora juegan todas con un mismo y único elemento central, un globo de plástico de grandes dimensiones, en el que, casi siempre, se introduce el artista y bien surca en su interior las aguas de un río, o se adentra en el mar; bien lo cubre, a manos limpias, de pintura, volviéndolo opaco para restablecer luego su transparencia; bien, no me pregunten cómo, enciende un fuego y llena el improvisado habitáculo de humo; bien mete en ellos distintos animales domésticos, que conforman un curioso zoológico rural; bien, por último, se embadurna de pintura fluorescente y brilla en su seno como un ser de luz.

Estas mínimas descripciones no hacen ni pueden hacer justicia al impacto de sus imágenes ni a la cantidad de analogías que surgen en el transcurso de la acción, desde la fragilidad corporal del artista, niño que retorna al seno materno, enfrentándose desnudo a la fuerza del mar o el curso del río, hasta la situación medioambiental en China, en una ceremonia en la que él mismo se envuelve en humo en los adentros de un bosque limpio, pasando por la reivindicación del pensamiento espiritual tradicional en su cultura, ahora convertido en tabú. Ming fecha sus trabajos y explicita la situación o el lugar geográfico en el que transcurren: Laoshan, China, 26 de julio de 2002; Sidney, Australia, 9 y 16 de marzo de 2003; Tate Liverpool, 9 de septiembre de 2006...

Me importa señalar, además, que, tanto lo que podemos considerar el contenido de sus events, como la belleza que emana de los lugares y confrontaciones que provoca, son el resultado de un método cuyo planteamiento es de una absoluta sencillez –su materialización es generalmente simple– y que se asienta en un soporte esencial: el arte como experiencia personal. Un proyecto que, como demuestra la documentación de sus trabajos precedentes, remonta sus raíces al arte conceptual de los años sesenta en Occidente y a ciertos reflejos de las propuestas del grupo japonés Gutai. Así, Ming dice: “El cerebro es donde realmente se producen mis obras sin los condicionamientos de la realidad exterior. Es el mundo más sencillo en el que trabajar con total libertad. Pensar es gratis, actuar es relativo”.

Mariano NAVARRO

Casi 300.000 Euros en premios y becas

Esta semana se han convocado las becas Cajastur (80.000 Euros), las de la Fundación Pilar i Joan Miró (32.000 Euros), además de las ayudas a la creación visual promovidas por la Fundación Arte y Derecho (otros 150.000 Euros), que, junto a otros premios menores, elevan a casi 300.000 Euros el dinero disponible para premiar la creación artística en los últimos 7 días.

Premio: Propuestas 2008 - XII Convocatoria de Ayuda a la Creación Visual - Más info

Convoca: Fundación Arte y Derecho

Fecha entrega de obras: entre el 1 de marzo y 30 de junio de 2008

Dotación: 150.000 Euros destinados a la financiación de proyectos y a la divulgación de obras ya creadas.

Premio: Premio Biennal d'Art Ciutat d'Amposta - Más info

Convoca: Ayuntamiento de Amposta

Fecha entrega de obras: entre el 1 de mayo y 30 de junio de 2008

Dotación: Primer premio de 4.000 Euros, además de una exposición del artista ganador, a realizar el año 2009. Se podrán otorgar, entre los seleccionados, tres premios-compra con una dotación de 1.200 Euros para cada uno de ellos, patrocinados por parte de tres empresas.

Premio: Premio y Becas Pilar Juncosa 2008 - Más info

Convoca: Fundación Pilar i Joan Miró a Mallorca

Fecha entrega de solicitudes: antes del 7 de septiembre de 2008

Dotación: 8.000 Euros para el Premio Pilar Juncosa a la innovación, 6.000 Euros para la Beca Pilar Juncosa para un proyecto educativo, y 5 Becas de formación en los talleres de obra gráfica de Miró con 1.500 Euros adiccionales de bolsa de viaje, y otras 5 becas en colaboración con centros nacionales e internacionales por un importe total de 10.500 Euros.

Premio: Becas Cajastur para Artistas 2008 - Más info

Convoca: Obra Social y Cultural de Cajastur

Fecha presentación de solicitudes: antes del 20 de junio de 2008

Dotación: 8 becas con una dotación económica de 10.000 Euros cada una.

Premio: II Certamen de pintura "Villa de Cistierna" - Más info

Convoca: Ayuntamiento de Cistierna

Fecha entrega de obras: entre el 18 de agosto y 1 de septiembre de 2008

Dotación: primer premio de 1.200 Euros y segundo de 600 Euros.

Premio: Certamen de pintura rápida Villa de Getafe - Más info

Convoca: Ayuntamiento de Getafe

Fecha celebración: 1 de junio de 2008

Dotación: 6 premios de 2.500, 1.500, 1.200, 900, 900 y 700 Euros respectivamente.

El Jardín Botánico de Nueva York exhibe una gran muestra de esculturas de Moore

El Jardín Botánico de Nueva York exhibe desde hoy y hasta el próximo 2 de noviembre la mayor muestra al aire libre de esculturas del artista británico Henry Moore realizada hasta ahora en Estados Unidos.

En pleno esplendor primaveral, el Botánico neoyorkino exhibirá una colección de 20 obras que se ubicarán a lo largo de sus cerca de mil metros cuadrados de terreno, dispersas por el medio centenar de jardines que alberga ese centro.

Además de las esculturas se expondrán varias maquetas, herramientas y objetos fundidos del estudio que el artista tenía en Perry Green, cerca de Londres, que ofrecerán una idea más completa del proceso creativo de quien se considera uno de los escultores más importantes del siglo XX.

Henry Moore (1898-1986) es conocido por sus grandes esculturas de mármol y bronce, generalmente figuras humanas desproporcionadas, con las que ayudó a introducir su particular forma de Modernismo en el Reino Unido, donde realizó su primera exposición en solitario en 1928.

La monumentalidad de sus esculturas responde a la intención del artista de que sus obras se ubicaran en amplios paisajes para que la gente pudiera apreciarlas desde distintos ángulos, con variedad de luces y en diferentes estaciones del año, además de acercarse a ellas y tocarlas.

La primera gran retrospectiva fuera de su país tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en 1946, y desde el final de la Segunda Guerra Mundial sus esculturas, principalmente de figuras femeninas reclinadas y deformadas, están expuestas por todo el mundo.

Aunque los principales trabajos del escultor se encuentran en su Inglaterra natal, entre el instituto que lleva su nombre en la localidad de Leeds y la fundación ubicada en Hertfordshire, la colección pública más grande del mundo con los trabajos de Moore está en el Museo de Arte de Ontario (Canadá).

En Estados Unidos las obras de este artista están repartidas por Chicago, San Francisco, Washington, San Diego y Nueva York, donde desde 1965 se ubica una gran escultura de Moore en el Centro Cultural Lincoln.

El escultor británico también destacó en otros campos artísticos, como el textil, en el que realizó un gran número de diseños en telas.

Manuel Sáez y la poesía del objeto inútil

Dibujos
Comisaria: Ana de Miguel. Sala Parpalló. Alboraia, 5. Valencia. Hasta el 15 de junio

Desde que a principio de la década de los ochenta Manuel Sáez (Castellón, 1961) iniciara su actividad expositiva, su trabajo manifiesta una extrema coherencia y rigor. Interesado por el objeto, no ha dado tregua a su inquisitiva representación; un escrupuloso ejercicio de análisis de cuanto le rodea que, compendiado en el objeto, alcanza dimensiones sorprendentes en sus cuadros y papeles. Combinados al principio en insólitos ensamblajes en los que se evidencia su reojo surrealista, cuando no pop, estos objetos fueron afianzando una inquietante autonomía visual. Desde los juegos combinatorios magrittianos hasta los acoplamientos warholianos, su obra se empleaba en reinventar la realidad. Echando mano de una apagada gama cromática en los inicios, Manuel Sáez fue progresivamente dejando intervenir al color hasta llegar a una saturación cegadora en obras de las que el IVAM dio cumplida muestra en el año 2000. Con posterioridad, Sáez planteaba un trayecto a la inversa, la figuración impecablemente respaldada por el color, fue gradualmente encubierta en superficies monocromas. Las paradojas conceptuales se fueron sucediendo, enlazando ingeniosas composiciones en las que se ponía a prueba la percepción del espectador. Surgieron el humor y la poesía y toda suerte de evocaciones que no hacen sino aligerar el peso de la realidad más inmediata y medir la grandeza de lo cotidiano.

En los trabajos que ahora presenta hay algo de clínico, cuando se observa la quirúrgica exploración de objetos, pero también lo ascético y monacal alcanza cierta relevancia espiritual encadenando una sucesión de letanías de lo cotidiano. Así, ha compuesto un políptico de 50 obras entre dibujos y acuarelas, escrupulosamente ordenado en una seriación apenas salpicada por alguna nota de color, dispuesta para poner de relieve los infinitos matices del banco y el negro. Con ello, inútiles objetos como brochas de afeitar, teléfonos y picaportes, junto a modélicos paisajes y desnudos, se metamorfosean en imágenes insólitas cuya trascendencia se sitúa al margen de su paradójica estandarización y medida en el marco de la pintura. Desde un apenas invariable y obsesivo acercamiento a la definición y medida de las cosas, Manuel Saéz manipula la genética de sus usos y funciones para trasladarlos a un espacio de desencuentros, paradojas y poéticas evocaciones.

José Luis CLEMENTE

CaixaForum Madrid: Alphonse Mucha

Alphonse Mucha (1860-1939)
Seducción, modernidad y utopía
30 abril - 31 agosto de 2008
CaixaForum Madrid
Paseo del Prado, 36
28014 Madrid
http://www.obrasocial.lacaixa.es/

Alphonse Mucha (1860-1939) fue uno de los artistas más conocidos de su tiempo, creador y divulgador del estilo Art Nouveau, pionero en la aplicación del arte a la publicidad y uno de los padres del diseño gráfico moderno. Sus carteles y pinturas causaron admiración en París y contaron con imitadores en todo el mundo. El arte de Mucha aspira a la belleza. Sus elaboradas composiciones ponen en juego elementos teatrales y alegóricos, y crean una atmósfera de misterio cercana a la poética simbolista.

Esta exposición presenta todas las facetas del arte de Alphonse Mucha a partir de cuatro grandes temas fundamentales -teatro, belleza, misterio y modernidad-, y también presta atención a otros cuatro aspectos particulares que permiten comprender mejor el alcance de su obra: la metrópolis como escenario; la fotografía como medio y como arte; la epopeya eslava, una visión, y la difusión del «estilo Mucha», para el que se toma como ejemplo el modernismo en Madrid y Barcelona.

Esta es la primera vez que se presenta en España una gran exposición dedicada a Alphonse Mucha, que es fruto de la colaboración entre la Fundación ”la Caixa” y la Mucha Foundation, entidad que vela por la conservación y divulgación de la obra del artista.

Critica: CAMPO DE AGRAMANTE en el Musac

Título de la Exposición / Exhibition title: Campo de Agramante

Proyecto de / A Project by: Rafael Doctor y Araceli Corbo

Diseño de la instalación / Installation Design: Kristine Guzmán

Colaboración / Colaboration: Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca / University of Salamanca Photography Centre

Lugar / Venue: Proyecto Vitrinas / Showcase Project

Fechas / Dates: 17 de mayo- 7 de septiembre, 2008 / May 17th- September 7th, 2008

Otra vez Rafael Doctor como comisario apuesta en el Hall del museo por una exposición donde se recrea el mundo de la fotografía editada mediante libros que los visitantes pueden ojear o explorar hasta la saciedad. En esta ocasión la elegida es “Campo de Agramante” la colección de libros de fotografía del Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca, así en veinte libros repasa y engloba la trayectoria de ese centro y del resto de títulos de la colección en la biblioteca del Museo.

No nos detendremos aquí a desmenuzar todo la colección de libros del centro de Salamanca sino a alabar esta pequeña joyita que el Musac ha inventado de forma sutil, con este tipo de exposiciones se acerca el mundo de la fotografía al público, de una forma sosegada pero coherente, no olvidemos la pasada exposición “La imagen editada” que de una forma orquestada saltaba cada veinte días de editorial poniendo en manos del público un volumen de textos fotográficos impresionante.

Este tipo de iniciativas son las que hay que aplaudir dentro de un museo de arte contemporáneo, que muchas veces se olvida del pueblo llano que es quien lo sustenta, gracias a muestras como estas el acercamiento del arte actual al público puede ser posible sin grandes ni rimbombantes exposiciones, este es el camino que debería asumir cualquier centro expositivo que crea que tiene que hacer una función educadora, de dialogo con el arte y sobre todo ser un instrumento de contacto del gran público con los artistas.

Luis Rey Barto, critico independiente.

Premio Biennal de Arte "Ciutat d'Amposta" 2008

www.biam.cat

Fechas de presentación: del 1 de mayo al 30 de junio de 2008

BASES DE PARTICIPACIÓN:

1- La participación en el Premio Biennal d’Art Ciutat d’Amposta está abierta a todos los artistas de ámbito estatal.

2- Se concederá un primer premio, la dotación del cual será de 4.000 euros, además de una exposición del artista ganador, a realizar el año 2009. El premio no podrá declararse desierto.

La obra ganadora quedará en propiedad del Ayuntamiento de Amposta, pasando a formar parte de su Fondo de Arte y podrá hacer el uso que crea más conveniente. El Ayuntamiento de Amposta quedará como propietario de la obra premiada, incluidos todos los derechos de explotación de la propiedad intelectual sobre esta obra, con carácter exclusivo, bajo cualquier forma delas existentes en esta fecha, sin límites de tiempo ni de ámbito territorial, y en especial los derechos de comunicación pública, reproducción total y parcial, incluidos el alquiler y la cesión a terceros.

ANEXO: Se podrán otorgar, entre los seleccionados, tres premios-compra con una dotación de 1.200 euros para cada uno de ellos, patrocinados por parte de tres empresas.

3- Serán admitidas obras originales e inéditas; es decir, que no hayan estado seleccionadas ni premiadas en otros certámenes.

4- El tema y la técnica a utilizar son libres, así como las dimensiones.

5- Para la admisión en el certamen y para participar en la selección, los artistas deberán de remitir la solicitud de participación cumplimentada, junto con un dossier con 4 fotografías, las cuales corresponderán cada una a una obra diferente que pueda optar a premio y que hayan estado
realizadas en los últimos dos años.

Además de la ficha técnica de las obras (medidas, técnica y año de ejecución) y de las fotografías antes mencionadas (18 x 24 cm. a color), el dossier incluirá, como mínimo, un resumen del vitae y la fotografía del artista, pudiéndose ampliar con catálogos o fotografías de obra anterior. Además, se deberán especificar las cuatro obras que asigna el artista para entrar a concurso.

6- El envío de la documentación se hará del 1de Mayo al 30 de Junio de 2008, en el Museo del Montsià, c/Gran Capità, 34, 43870 Amposta.
Cualquier consulta relativa al envío, podrá hacerse al teléfono 977 702 954, de lunes a viernes, de 11 a 14 horas y de 17 a 20 horas.

7- El jurado estará formado por David Armengol, comisario independiente y crítico de arte; Carles Duran, galerista; Anna Maria Guasch, critico de arte y profesora de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona; y Jose Carlos Suárez, crítico de arte y profesor de la URV. Actuarán, con voz y sin voto, como coordinador Manel Margalef y como secretaria, Antònia P. Ripoll.

8- De todas las propuestas, el jurado seleccionará a los artistas que participarán en la Biennal d’Art, así como la obra que opta a premio.

Una vez notificada al artista su selección, éste deberá de remitir al Museo del Montsià, c/Gran Capità, 34, 43870 Amposta, teléfono 977 702 954, en el plazo de quince días, la obra que le haya sido seleccionada para optar al premio.

Los artistas seleccionados cederán, por escrito, los derechos de reproducción de su obra para figurar en el catálogo que editará el Ayuntamiento de Amposta, y también para la difusión de la Biennal, sea cual sea el medio.

9- Las obras seleccionadas serán expuestas entre Octubre y Noviembre de 2008, en la sala de exposiciones del Museo del Montsià.

10- El día de la apertura de la exposición se hará lectura pública del veredicto del jurado. La entrega del premio se realizará el mismo día en el transcurso del acto de inauguración.

11- Los artistas no seleccionados podrán recoger sus dossieres en el Museo del Montsià o solicitar, en el plazo de dos meses a partir de la clausura de la exposición, que les sean devueltos.

Después de esta fecha, la organización no se hace responsable de los dossieres bajo ningún concepto.

12- El Ayuntamiento de Amposta no se hace responsable de los daños, extravíos, etc., que puedan sufrir las obras presentadas al premio, así mismo vigilará su correcta conservación y trato correcto.
Los gastos de transporte, tanto del envío como de la devolución, así como del embalaje, seguro, etc., serán por cuenta y riesgo del concursante.

13- La participación en el Premio Biennal d’Art Ciutat d’Amposta supone la aceptación incondicional de las bases y la renuncia a toda reclamación legal.

Descarga las Bases y Solicitud de participación

PARA MAS INFORMACIÓN:
Ajuntament d´Amposta
Plaza España 6, 2n
43870 Amposta
tel. 977 703 516 / 977 700 904
a/e: culturapont@amposta.cat

ACCIONES EN EL UNIVERSO, David Bestué i Marc Vives

David Bestué i Marc Vives
Del 17/05 al 20/07 de 2008. Inauguración sábado 17 de mayo, 20 h
Espai Zer01 / Olot

www.olot.cat/cultura/zerou

Del 17 de mayo hasta el 20 de julio se podrá ver en el Espai Zer01 de Olot la exposición “Acciones en el Universo”, que concluye el ciclo “Acciones”, de los artistas David Bestué y Marc Vives.

“Acciones en el Universo”, la primera incursión de estos artistas en este formato, es una instalación cuya disposición remite a un túnel del terror o “pasillo experimental” y que está dividida en once estancias. En un primer bloque, de cinco salas, se explora la realidad física en una trayectoria ascendente desde lo microscópico hasta lo cósmico. En un segundo bloque, de un mismo número de salas, se traza un recorrido por diferentes nociones filosóficas y psicológicas que parte de lo universal y culmina en la desintegración de conceptos y sistemas. Un espacio articulador, situado a mitad del recorrido, relaciona ambos bloques de sentido actuando así como bisagra entre lo físico y lo mental.

“Acciones” es un ciclo que se inició en el 2003 con “Acciones en Mataró”, una serie de cerca de 50 intervenciones en torno a la idea de espacio público, presentado en forma de libro y editado por Fundación 30 km/s. En “Acciones en casa” (2005) el escenario de las intervenciones se trasladó al ámbito doméstico, y quedó recogida en un vídeo. El tercer episodio del ciclo, “Acciones en el campo” (2006), tomó la forma de una única representación teatral documentada mediante un vídeo, fotografías y dibujos. “Acciones en el Universo” (2008) concluye el ciclo.

Esta exposición se pudo ver en Berlín dentro del programa Projects de Maribel Lopez Gallery, del 3 al 20 de abril, gracias a la colaboración entre el Espai Zer01 y ésta galería.

Para más información:
David Santaeulària
Teléfono 972266351
zerou@olot.org
www.olot.org/cultura/zerou

Emergentes lleva el nombre de Laboral a cuatro países latinoamericanos

LA EXPOSICIÓN, QUE HA ESTADO EN EL CENTRO DE ARTE DE GIJÓN

Emergentes llevará el nombre de LABoral a cuatro países latinoamericanos. La exposición que ha estado abierta en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial desde noviembre de 2007 hasta el pasado

lunes, día 12 de mayo, se mostrará en el espacio de la Fundación Telefónica Argentina, de Buenos Aires, del 11 de junio al 31 de agosto.

Posteriormente itinerará a Lima, donde se exhibirá desde el 24 de septiembre al 18 de enero de 2009. En 2009 irá también a México y Chile.

En este último país las fechas que se barajan son de julio a octubre de 2009.

Emergentes, coproducida conjuntamente por LABoral Centro de Arte y Fundación Telefónica, se propone dar una nueva visión del arte de los

nuevos media procedente de América Latina. La exposición indaga, a través de diez instalaciones, en los avances culturales que emplean

conceptos de la ciencia y la tecnología para producir un nuevo tipo de interacción socio-cultural.

José-Carlos Mariátegui, comisario de la exposición, seleccionó para ello obras de los artistas Lucas Bambozzi (Brasil), Rejane Cantoni y Daniela

Kutschat (Brasil), Rodrigo Derteano (Perú/Suiza), Rafael Lozano-Hemmer (México/Canadá), José Carlos Martinat y Enrique Mayorga (Perú),

Fernando David Orellana (El Salvador/EEUU), Santiago Ortiz / Bestiario (Colombia/España), Mariana Rondón (Venezuela), Mariano Sardón

(Argentina) y Mariela Yeregui (Argentina).

Horario del Centro: miércoles a lunes, de 12 a 20 horas

c/ Los Prados 121.- 33394

Gijón. Asturias

T. +34 985 185 577

F. +34 985 337 355

info@laboralcentrodearte.org

www.laboralcentrodearte.org

Jaime de la Jara en Cubo Azul el afán por manipular las imágenes

Se trata de una filosofía en tres capítulos: vídeo, instalación y celuloide

El artista muestra en «Waiting Room» su interpretación personal del mundo de la fotografía
La manipulación de las imágenes es el fondo de la exposición Waiting Room , que Jaime de la Jara muestra estos días en el siempre «emergente» Cubo Azul. Un trabajo con tres vertientes complementarias, el vídeo, la instalación y la fotografía, que se unen en torno a una misma idea: hacer una crítica de la incidencia del mundo de las imágenes en la sociedad actual.

«Trabajo fundamentalmente -explica el artista- la fotografía, el vídeo y las instalaciones. En lo conceptual giro en torno al mundo de la imagen desde un punto de vista muy contemporáneo. Quiero ser crítico, aunque no de una manera muy radical, sino de un forma sutil. Intento abrir una serie de vías de pensamiento para general dudas sobre las imágenes con las que trabajamos y de las que estamos aprendiendo. Ellas son los soportes que nos transmiten la información y me interesa la veracidad de ese mundo». El primero de los tres capítulos de esta exposición está dedicado al vídeo: «A mí me gusta -dice De la Jara- trabajar con el vídeo, pero no considerándolo como un soporte semejante al cinematográfico. Me gusta emplearlo como una forma más de investigación, con el lógico rigor, pero sin intentar hacer cine». En Cubo Azul Jaime de la Jara nos ofrece una sugerente interpretación visual de un paseo por el campo.

Lo más espectacular de esta muestra es una instalación dentro de la que únicamente se encuentran un espejo y un banco. «En la instalación he tratado de reproducir un espacio falso y ambiguo, que he reproducido para tener un conocimiento pleno de lo que hay en él. También intento saber qué es lo que vemos en realidad, porque normalmente recibimos muchas imágenes pero no las analizamos. En el fondo es una especie de autocrítica, un espacio bello en el que hay que rascar para conocer su realidad».

Y finalmente, las representaciones fotográficas. «Las dos fotografías de la exposición pertenecen a una serie muy amplia inmersa en un ambicioso proyecto fotográfico sobre espacios en los que no ocurre nada. Son lugares fríos en los que no existen los conflictos, y esa dejadez hace que esos motivos se desmoronen. Muestro esa búsqueda de que todo sea perfecto dentro de la sociedad en la que vivimos, pero que normalmente tienen también muchos elementos destructivos. Con estas imágenes hago una especie de metáfora». Horario: de lunes a viernes de 17.30 a 21.00, sábados de 12.00 a 14.00. San Lorenzo, 2.

Yang Fudong. El oriente europeo.

Yang Fudong. Museo Esteban Vicente. Segovia.

Desde finales de mayo.

Yang Fudong es uno de los jóvenes artistas chinos que están revolucionando el panorama creativo del país. Alejado del conocido realismo cínico y del pop, el creador asume la tradición europea de la nouvelle vague para crear deliciosos filmes en blanco y negro con un fuerte componente poético y filosófico. La muestra se enmarca dentro de las exposiciones que el museo celebrará dentro de su décimo aniversario.

En su décimo aniversario, el Museo Esteban Vicente de Segovia trae a la palestra la primera retrospectiva del artista chino Yang Fudong (1971). Fudong representa una generación de artistas orientales que están sufriendo en su persona un cambio transversal en los modos de producción y desarrollo de su país natal: China. Esto es importante porque es necesario para entender el desarrollo conceptual de su obra. En Fudong no hay tradición al uso. Ni realismo pop-cínico. Sin ir más lejos, el artista usa el cine y el vídeo (muy en la línea europea) en sus obras para poder explorar los efectos vitales que padecen una nueva generación de jóvenes urbanos, en un país en constante cambio radical. Para ellos, y, concretamente, para Fudong, la cultura del pasado (tan alabada por algunos intelectuales) aparece rotunda y se reposiciona de manera fantasmal en el presente de las grandes urbes neocapitalistas y ultratecnológicas que crecen expansivas como un lunar al sol.

Comenzó su carrera en 1991. Ese mismo año ingresó en el departamento de pintura de la Academia Nacional de Bellas Artes de China (situada en Hangzhou). Fue en este lugar donde comenzó a tener contacto con los nuevos medios artísticos, y en especial con la fotografía contemporánea. En 1997 realiza su primera obra en vídeo, Estranged Paradise. Al año siguiente fija su residencia en Shanghai, ciudad más abierta experimentaciones, donde se respira más ‘libertad’ creativa. Una vez situado en la gran urbe, inicia su carrera profesional participando en diferentes exposiciones colectivas nacionales que le servirán para dar el salto hacia el exterior. Éste ha sido uno de los afortunados creadores que la Documenta ha sacado a relucir. Fue con la XI Documenta de Kassel (2002), dirigida por O. Enwezor, cuando se le abren las puertas hacia el reconocimiento internacional. Tras su participación en ella seguirán múltiples exposiciones en Europa, Estados Unidos y Asia, como la del Kunsthalle Wien de Viena (2005), Castello di Rivoli – Museo D´Arte Contemporanea de Turín (2005) y el Stedelijk Museum de Ámsterdam (2006).

El cineasta ha creado a lo largo de estos años obras de cine independiente sin salir de China. Delicadamente filmadas en blanco y negro, y en un formato de 35 mm, Yang combina el lirismo del estatismo vacío de la pintura china, con la expresividad de la Nouvelle Vague europea, todo ello mezclado con un toque de Jim Jarmusch, al que Yang cita frecuentemente como inspiración.
El desarrollo de sus obras siguen parámetros similares: confecciona tableaux vivants y ralentiza el desplazamiento de las imágenes siguiendo líneas no narrativas necesariamente planteando, de alguna manera, cuestiones filosóficas relativas a la existencia como tal y a la tradición intelectual.

Para Fudong, la composición de las imágenes cumple una función totalmente representacional (como se podrá ver en Citylights o No snow on the Broken bridge de 2006), pero no tienen que estar dispuestas de manera lineal obligatoriamente. Es decir, el supuesto de que la narración es la representación de una realidad pre-existente, y que esta representación es fiel a la naturaleza de esa realidad no parece encajar con el artista. Ante la tradición de la narratividad horizontal, omnisciente y selectiva, éste responde con un extraño neoclasicismo cinemático.

O sea, la sucesión de imágenes no tiene por que ser necesariamente causal, es decir, no tiene por qué seguir una lógica en la que a toda causa le sigue un efecto único. Fudong intenta hacer poesía, no crítica social. En cierta manera, conserva una idea anti narrativa, utilizando en exceso el plano-secuencia y el incremento de la polisemia visual. En definitiva, la sensación es de ver pintura clásica en movimiento. La muestra del Esteban Vicente, supondrá una excelente oportunidad de ver las obras de un artista excelente y del que se oirá hablar en importantes subastas de arte ulteriores. Y es que hay temas que son universales…

MARCO: MAYO-AGOSTO 2008

PROGRAMACIÓN

Un recorrido por las actividades que tendrán lugar en el MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo, entre los meses de mayo y agosto: exposiciones temporales, conciertos y festivales, programación didáctica, Fiesta del Día Internacional del Museo, talleres de verano para familias, y actividades de la Agrupación de Amigos, entre otros eventos.



EXPOSICIONES TEMPORALES


Primera planta

PARAÍSOS INDÓMITOS
• ÚLTIMOS DÍAS! hasta el 18 mayo
• Comisaria: Virginia Torrente
• Coproducción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo /CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla
• Colaboran: Consellería de Medio Ambiente, Xunta de Galicia / Blu:sens

Ultimas semanas de PARAÍSOS INDÓMITOS, una muestra que tiene como tema central la relación del ser humano con la naturaleza. Veinte artistas de diversas procedencias exploran su relación con la tierra en la que habitan, operando con diferentes puntos de vista, desde la visión romántica al testimonio documental, desde la concepción utópica al activismo en defensa del medio natural.


PASIONES PRIVADAS, VISIONES PÚBLICAS [Colecciones D.O. Galicia]
• 30 mayo – 7 septiembre 2008
• Comisario: Fernando Castro Flórez
• Producción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo

Bajo el título PASIONES PRIVADAS, VISIONES PÚBLICAS, el comisario y crítico de arte Fernando Castro Flórez presenta una selección de fondos de colecciones privadas de Galicia, centradas en arte contemporáneo. Un conjunto de obras que, desde los años ochenta hasta el presente, nos ayuda a hacer un recorrido por la historia del arte y del coleccionismo más próximo.


Como trasfondo, una lectura historiográfica sobre la aparición de las ferias de arte contemporáneo en los años sesenta, poco antes de que surgiera el concepto “sistema del arte” (1972). Ferias, bienales, subastas y otros eventos relacionados con el mercado del arte están en relación directa con la evolución de las colecciones, auténticos testigos de la actualidad. Desde el momento en que ARCO se convierte en un punto de referencia, abriendo sus puertas a galerías y coleccionistas internacionales, se aprecia un incremento de fondos internacionales en las colecciones gallegas.

Más allá de la simple exhibición de las obras, la exposición intenta analizar las similitudes y particularidades entre sus contenidos, funcionando de algún modo como homenaje y puesta en valor de estas colecciones, y como estímulo para fomentar el coleccionismo. Existen múltiples factores que conforman el sentido de una colección y su propia razón de ser. PASIONES PRIVADAS, VISIONES PÚBLICAS supone un primer acercamiento hacia el coleccionismo privado en Galicia, y sitúa a la vista del público obras que hasta ahora permanecían ocultas.

ARTISTAS:

ÁNGELES AGRELA, XOÁN ANLEO, EFRAIN ALMEIDA, CHEMA ALVARGONZÁLEZ, CARLOS AMORALES, VASCO ARAÚJO, TXOMIN BADIOLA, STEPHAN BALKENHOL, IGNACIO BASALLO, JOSÉ BECHARA, HERBERT BRANDL, DANIELE BUETTI, JEAN-MARC BUSTAMANTE, PEDRO CABRITA REIS, BERTA CÁCCAMO, SANTIAGO CIRUGEDA, CHEMA COBO, JOHN COPLANS, JOSÉ PEDRO CROFT, ÁNGELA DE LA CRUZ, SANDRO CHIA, WALTER DAHN, ALBERTO DATAS, THOMAS DEMAND, JIRI GEORGE DOKOUPIL, HELMUT DORNER, OLAFUR ELIASSON, ROLAND FISCHER, GÜNTER FÖRG, LIAM GILLICK, CAO GUIMARÃES, CURRO GONZÁLEZ, LUIS GORDILLO, DOUGLAS GORDON, KATHARINA GROSSE, FEDERICO GUZMÁN, JONATHAN HERNÁNDEZ, JOSÉ ANTONIO HERNÁNDEZ-DIEZ, FEDERICO HERRERO, THOMAS HIRSCHHORN, CANDIDA HÖFER, CARSTEN HÖLLER, SARAH JONES, MARTIN KIPPENBERGER, IMI KNOEBEL, STEFAN KÜRTEN, ABRAHAM LACALLE, ANTÓN LAMAZARES, FRANCISCO LEIRO, MICHEL MAJERUS, ÍÑIGO MANGLANO-OVALLE, CARLO MARIA MARIANI, ARMANDO MARIÑO, MATEO MATÉ, CHELO MATESANZ, JONATHAN MESSE, ANA MENDIETA, TRACEY MOFFATT, VIK MUNIZ, ANTONI MUNTADAS, ANTONIO MURADO, MIQUEL NAVARRO, SHIRIN NESHAT, ERNESTO NETO, JAVIER NÚÑEZ GASCO, MANUEL OCAMPO, JULIAN OPIE, DAMIÁN ORTEGA, SIMÓN PACHECO, MANOLO PAZ, JORGE PERIANES, ADRIAN PIPER, PEDRO PROENÇA, FIONA RAE, RUBÉN RAMOS BALSA, BERNARDÍ ROIG, JUAN CARLOS ROMÁN, UGO RONDINONE, THOMAS RUFF, ANRI SALA, DAVID SALLE, FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO, KARIN SANDER, CHARLES SANDISON, DIEGO SANTOMÉ, JULIÃO SARMENTO, GREGOR SCHNEIDER, ANDREAS SCHULTZE, ROMAN SIGNER, DJ SIMPSON, VALESKA SOARES, SUSANA SOLANO, FRANK THIEL, BALTAZAR TORRES, JUAN USLÉ, JAVIER VALLHONRAT, MANUEL VILARIÑO.




Planta baja

GEOPOLÍTICAS DE LA ANIMACIÓN
• ÚLTIMOS DÍAS! hasta el 1 junio
• Comisario: Juan Antonio Álvarez Reyes
• Coproducción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo /CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla

Durante el mes de mayo continúa en salas esta muestra que reúne más de sesenta obras de imágenes en movimiento, desde los años veinte hasta nuestros días. Una historia de la animación en su vertiente artística que demuestra cómo este género, ligado a la industria del entretenimiento, ha estado vinculado a la difusión de modelos ideológicos y sistemas de comprensión del mundo.


EL MEDIO ES EL MUSEO
• 20 junio – 28 septiembre 2008
• Comisarios: Pablo Fanego y Pedro de Llano
• Coproducción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo /Koldo Mitxelena, San Sebastián

Un proyecto expositivo compuesto de diferentes tipos de trabajos que abordan el museo o la institución como soporte de las obras de arte. Tratando de entender y relacionar procesos complementarios que se observan desde los años noventa, como el resurgimiento de las prácticas performativas y contextuales, junto al auge de la arquitectura de museos, o el optimismo del mercado del arte frente el malestar de ‘lo público’, la intención de los comisarios es reflexionar sobre el museo entendido como medio y material, pero también como un sistema de convenciones establecidas históricamente en un lenguaje concreto, con el objetivo de mostrar cómo las acciones formales e ideológicas de los artistas en el mismo interpretan y cuestionan las nuevas condiciones dando lugar a importantes transformaciones.


Thomas Struth-Museo del Prado 2
Madrid, 2005 c-print, 180,0 x 214,7 cm
Ó 2008 Thomas Struth


La exposición se concibe necesariamente a partir de un número de obras específicas realizadas para cada una de las sedes —el MARCO de Vigo y el Koldo Mitxelena de San Sebastián— y una serie de piezas comunes adaptadas a los espacios de ambos museos. En cada lugar y momento, el espacio arquitectónico, el contexto o el funcionamiento cotidiano de la institución, actúan como los elementos significativos del contenido de la exposición. Es decir, se ha desnudado al máximo el museo, de manera que es éste, como ‘soporte’, lo que se exhibe: el espacio resulta así dimensionado, especificado, interpretado y performado en su totalidad a través de las acciones de los artistas y de la participación del público.



ARTISTAS

LARA ALMARCEGUI, MONICA BONVICINI, ARABELLA CAMPBELL, MARIA EICHHORN, ANNIKA ERIKSSON, MARIO GARCÍA TORRES, FELIX GONZALEZ-TORRES, CEAL FLOYER, ANDREA FRASER, LUCA FREI, JEPPE HEIN, LOUISE LAWLER, MAIDER LÓPEZ, LORETO MARTÍNEZ TRONCOSO, ROMAN ONDÁK, SERGIO PREGO, KARIN SANDER, TINO SEHGAL, SANCHO SILVA, THOMAS STRUTH.






Espazo Anexo

OLIVER AÑÓN
[Perspectivas sociales de un loro; 7 propuestas para una flexión]
• 30 mayo – 31 agosto 2008
• Comisario: Iñaki Martínez Antelo
• Producción: MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo

Una estructura de ficción, una composición fílmica a partir del trabajo de una colectividad inconexa e inexistente, es el núcleo del proyecto de Oliver Añón en el Espazo Anexo del MARCO. Tal estructura es la de una pieza videográfica elaborada a partir de la colaboración de siete ‘supuestos’ autores. El proyecto aglutina, como añadido alrededor de la película, cuatro cortes de vídeo así como dibujos y textos, cuya intención es la de funcionar como documentación acerca de los lugares, espacios o estudios de trabajo de cada uno de los autores que colaboran en la película.

Más allá de la distinción genérica entre realidad y ficción, entre el documental como registro verídico de lo considerado real y la fantasía de lo imaginario, de lo correcto o inapropiado de cualquier prejuicio, la imagen videográfica aparece aquí configurada desde lo mestizo de una tecnología, desde un aparato para una construcción (no ya captura) de la imagen. Junto a la imagen que se ve, la reflexión; junto a un ojo sorprendido por el espectáculo, un ejercicio de recomposición de la imagen.


DÍA INTERNACIONAL DEL MUSEO 2008
“Los museos como agentes del cambio social”

Fiesta DIM 2008
Actividades para públicos de todas las edades
16, 17 y 18 de mayo

Como cada año por estas fechas, el MARCO se suma a la celebración del Día Internacional del Museo (18 de mayo) e invita a toda la ciudadanía a participar en las actividades de la Fiesta DIM 2008, que en esta edición gira en torno a la idea del museo como espacio promotor del cambio, a través de actividades que fomenten la integración social y el desarrollo.

El programa incluye un proyecto de creación colectiva para público infantil y adulto, talleres de animación para familias, experiencias artísticas por Internet en la Biblioteca, dibujantes de animación trabajando en directo, visitas guiadas a las exposiciones, una mesa informativa de la Agrupación de Amigos, ciclos de vídeo, y el concierto de clausura del ciclo Música para plantas, entre otras actividades.
[+ INFO en nota prensa FIESTA DIM]

FECHA HORARIO ACTIVIDAD LUGAR
VIERNES 16 a las 12.00 y a las 18.00 ‘Animaciones y Paraísos’
[Visitas guiadas a las exposiciones] Salas de exposición
de 18.00 a 20.00 ‘Un DIM-DIM animado’
[Talleres para familias] Laboratorio das Artes
a las 20.00 ‘Una estaca en el lodo, un hoyo en la cinta. El campo expandido del Land Art’_Latitudes
[Ciclo de vídeo] Salón de actos
a las 21.00 ‘Música para plantas’. Concierto de clausura_ Ensemble-s21 Salas de exposición

FECHA HORARIO ACTIVIDAD LUGAR
SÁBADO 17
DOMINGO 18 de 11.00 a 14.00
de 17.00 a 20.00 ‘Plástico/frontera’_Ramona Rodríguez
[Proyecto de creación colectiva] Zona exterior
de 12.00 a 14.00
de 18.00 a 20.00 ‘Un DIM-DIM animado’
[Talleres para familias] Laboratorio das Artes
de 11.00 a 14.00
de 17.00 a 20.00 ‘El Diario de Berto’_Deboura Deseños Animados
[Dibujantes trabajando en directo] Vestíbulo
de 11.30 a 13.30
de 17.30 a 19.30 ‘Webs con moita arte’
[Experiencias de creación en la red] Biblioteca
de 11.00 a 21.00 ‘Historias de aquí’
[Ciclo de vídeo Animación en España] Salón de actos
a las 12.30 y a las 18.30 ‘Animaciones y Paraísos’
[Visitas guiadas a las exposiciones] Salas de exposición
de 11.00 a 14.00
de 17.00 a 20.00 Mesa informativa de la Agrupación de Amigos del MARCO Vestíbulo



PROGRAMACIÓN AUDIOVISUAL


Ciclo de vídeo
'Una estaca en el lodo, un hoyo en la cinta’. El campo expandido del Land Art, 1968–2008’
Comisariado por: Latitudes | www.LTTDS.org

• jueves 8 y viernes 9 de mayo, a las 20.00
• jueves 15 y viernes 16 de mayo, a las 20.00 [repetición]
• Salón de actos

Tomando prestado su título de los escritos de Robert Smithson, este programa presenta una selección de imágenes en movimiento que forman parte de la memoria histórica del Land Art, acompañadas de producciones de artistas contemporáneos.

PROGRAMA 1 [Duración total: 1h. 38’]
Jueves 8 y jueves 15 de mayo

PROGRAMA 2 [Duración total: 1h. 15’]
Viernes 9 y viernes 16 de mayo

[+ INFO en nota prensa CICLO LAND ART]


Ciclo de vídeo
HISTORIAS DE AQUÍ
[Exposición GEOPOLÍTICAS DE LA ANIMACIÓN]
Selección: Juan Antonio Álvarez Reyes

• ÚLTIMOS DÍAS! hasta el 1 junio
• Salón de actos
• Horario: sábados, a las 19.00

ARTISTAS:
MANU ARREGUI, VICENTE BLANCO, INGRID BUCHWALD, ANTÓN CABALEIRO, SEGUNDO DE CHOMÓN, DAVID CÍVICO, CARLES CONGOST, RUTH GÓMEZ, SOFÍA JACK, JUANDE JARILLO, MARIO MARQUERIE & ALICIA MARTÍN, JORDI MORAGUES, TXUSPO POYO, FERNANDO RENES, FRANCESC RUIZ, DIEGO SANTOMÉ, JUAN ZAMORA.



CONCIERTOS Y FESTIVALES


IMAXINA SONS 2008. 4º Festival de Jazz de Vigo
Organiza: Concellería de Cultura do Concello de Vigo
Patrocina: Fundación Caixanova
Colaboran: Dirección Xeral de Promoción e Difusión Cultural, Xunta de Galicia. Xacobeo

Programa en MARCO
• Mesas redondas y ciclo de solistas
• Salón de actos
• Horario: a las 20.30 (mesas redondas) y a las 21.45 (conciertos solistas)
• Entrada: gratuita (mesas redondas) y 2€ (conciertos)

lunes 30 de junio
Mesa redonda + concierto solista: Américo Rodrigues (improvisación vocal)
martes 1 de julio
Mesa redonda + concierto solista: Antonio Bravo, “Al fin solo”
(trompeta y percusión)
miércoles 2 de julio
Mesa redonda + concierto solista: Barry Guy (contrabajo solo)


CICLO HOMENAJE - ENRIQUE X. MACÍAS. Concierto de clausura
Organiza: Dirección Xeral de Creación e Difusión Cultural, Consellería de Cultura e Deporte, Xunta de Galicia
Intérpretes: Sond’ar-Te Electric Ensemble, Portugal

• Domingo 25 de mayo, a las 20.00
• Salón de actos
• Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

Como homenaje al músico y compositor vigués Enrique X. Macías, fallecido en 1995, y que en este año 2008 habría cumplido 50 años, la Dirección Xeral de Creación e Difusión Cultural organiza un ciclo de tres conciertos que tendrán lugar en el mes de mayo en A Coruña (Teatro Rosalía Castro, jueves 22), Santiago de Compostela (Salón Teatro, viernes 23) y Vigo (MARCO, domingo 25).

Programa:

Enrique X. Macías. Adhuc (1993)_ensemble y electrónica
Miguel Azguime. Derrière Son Double (2001)_ensemble y electrónica
Enrique X. Macías. Cadências e Interlúdios / Percurso I (1989/1992)_piano y electrónica
Enrique X. Macías. Itinerário de Luz (1995)_ensemble y electrónica


DIDÁCTICA


DIDÁCTICA ESCOLARES
Visitas y talleres para educación infantil, primaria, secundaria y bachillerato

Hasta el 13 de junio continúa el programa educativo para escolares, que en este período gira en torno a la animación como ámbito de creación artística. Una vez clausurada la muestra GEOPOLÍTICAS DE LA ANIMACIÓN el 1 de junio, las visitas de escolares se centran en la exposición PASIONES PRIVADAS, VISIONES PÚBLICAS para la realización de un taller en el que crearán su propia historia de animación a través del recorrido por salas, con ellos mismos como protagonistas.

MUNDOS ANIMADOS. Visitas y talleres para escolares
• Hasta el 13 de junio
• salas de exposición y Laboratorio das Artes (1ª planta)
• martes, miércoles, jueves y viernes de 10.00 a 14.00
• Previa cita en los tel. 986 113900/11




DIDÁCTICA FAMILIAS


MUNDOS ANIMADOS. Talleres para familias
Para niños/as a partir de 3 años, solos o acompañados de personas adultas

Durante el mes de mayo, las actividades de viernes y domingos, dirigidas a público familiar, continúan con nuevos descubrimientos sobre la historia de la animación, con ensayos de creación de vídeos animados a través de diferentes técnicas y medios. Talleres de creación de personajes, invención de guiones y construcción de escenarios, paisajes y decorados.

• Hasta el 25 de mayo
• Laboratorio das Artes (1ª planta)
• Horario:
Viernes de 18.00 a 20.00
Domingos de 12.00 a 14.00




ARTE Y NATURALEZA. Talleres para familias
Para niños/as a partir de 3 años, solos o acompañados de personas adultas

Finalizados los talleres de naturaleza y reciclaje, en el mes de mayo las actividades para familias de los sábados continúan centradas en las relaciones entre arte y naturaleza. Obras de la exposición PARAÍSOS INDÓMITOS —como el invernadero de Peter Coffin, el vídeo de Guido van der Werve o la instalación de Alberto Baraya— y de la muestra GEOPOLÍTICAS DE LA ANIMACIÓN son el punto de partida para experiencias visuales y sonoras relacionadas con espacios naturales.

• Hasta el 24 de mayo
• Laboratorio das Artes (1ª planta)
• Horario:
Sábados de 12.00 a 14.00



TALLERES DE VERANO. ‘Tú eres el museo’
Para niños/as a partir de 3 años, solos o acompañados de personas adultas

• Del 8 de julio al 29 de agosto
• Horario: martes, miércoles, jueves y viernes, de 12.00 a 14.00

Durante los meses de verano, coincidiendo con la muestra EL MEDIO ES EL MUSEO, los talleres plantean una experiencia para público infantil centrada en la preparación de un proyecto expositivo para el MARCO. El título del programa alude a la idea de participación e implicación en los espacios del museo, a través de recorridos por salas u otras dependencias, y de divertidas sesiones en el taller de didáctica. Además de conocer por dentro el proceso de organización y puesta en marcha de una exposición, las actividades están orientadas al conocimiento de procesos de creación en el arte contemporáneo, especialmente aquellos que tienen como base la interpretación del espacio, la acción del artista y la participación del espectador.

Las sesiones se organizan según dos modalidades: diaria, para asistentes esporádicos, y semanal, para participantes habituales. Cada semana se irán incorporando al montaje los proyectos realizados, y finalmente tendrá lugar la inauguración de nuestra particular exposición.


CURSOS PARA ADULTOS


INICIACIÓN AL ARTE CONTEMPORÁNEO PARA ADULTOS
Hasta el 4 de junio continúan las sesiones del curso de iniciación, impartido por Ana Pereira Molares, para participantes interesados en conocer de primera mano los movimientos y autores clave en la historia del arte contemporáneo.

VER ARTE. El hilo conductor de las ideas
El 3 de junio finaliza también el curso VER ARTE, impartido por Emilio Cendón González, cuyo objetivo es mejorar la percepción y comprensión del arte contemporáneo a través de un diálogo activo y de un contacto directo con obras y espacios expositivos.


AGRUPACIÓN DE AMIGOS DEL MARCO


Actividades exclusivas para miembros de la Agrupación de Amigos del MARCO

VISITAS GUIADAS

Visitas guiadas a las exposiciones temporales del MARCO

‘PASIONES PRIVADAS, VISIONES PÚBLICAS. Colecciones D.O. Galicia’
• viernes 30 de mayo, a las 19.00
Visita a la exposición guiada por el comisario, Fernando Castro Flórez

‘EL MEDIO ES EL MUSEO’
• viernes 20 de junio, a las 19.00
Visita a la exposición guiada por los comisarios, Pablo Fanego y Pedro de Llano

MARCO Extramuros
Programa de visitas a galerías y centros de arte de la ciudad, un sábado de cada mes

VIAJES

Excursión a Coruña
Especial para familias, con visitas a la Casa das Ciencias, Aquarium, Planetario y Domus
• sábado 14 de junio
Viaje a Barcelona
• Del martes 1 al domingo 6 de julio



OTRAS ACTIVIDADES Y SERVICIOS


BIBLIOTECA-CENTRO DE DOCUMENTACIÓN
La Biblioteca/Centro de Documentación del MARCO, situada en la 1ª planta, tiene como objetivo proporcionar información bibliográfica, hemerográfica y audiovisual sobre el arte del siglo XXI y otros aspectos de la cultura contemporánea. Con 24 puestos de lectura, sus instalaciones ofrecen libre acceso a internet a través de ocho equipos informáticos o por medio de la red wifi.

• Horario: martes a viernes, de 11.00 a 14.00 y de 16.00 a 20.00
• Tel. +34 986 113900 (ext 201)
• centro.documentacion@marcovigo.com



VISITAS GUIADAS A LAS EXPOSICIONES

• Visitas guiadas todos los días a las 18.00
• Visitas ‘a la carta’ para grupos, previa cita en los tel. 986 113900/11
• Visitas para asociaciones, jueves y viernes a las 17.00, previa cita en el tel. 986 113900/11



CAFETERÍA-RESTAURANTE ‘TEMPO’
• Horario: lunes de 13.00 a 16.30; martes a viernes de 11.00 a 23.30; sábados de 11.00 a 21.00; domingos de 11.00 a 15.00
• Tel. +34 886 116712
• restaurantetempo@hotmail.com

TIENDA-LIBRERÍA ‘PLAXIO’
• Horario: martes a sábados de 11.00 a 14.30 y de 16.30 a 20.30; domingos de 11.00 a 14.30
• Tel. +34 986 113941
• plaxio@plaxio.org


Si desea recibir más información, diríjase a:
MARCO, Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Departamento de Comunicación (Marta Viana o Pilar Souto)
C/ Príncipe nº 54
36202 Vigo
Tel. +34 986 11 39 08 /11 39 03 / 11 39 00
Fax.+34 986 11 39 01
Email: marta.viana@marcovigo.com pilar.souto@marcovigo.com